martes, 30 de septiembre de 2014

Fotografia del siglo XX

MAGISTRAL 26 DE SEPTIEMBRE DEL 2014

Fotografía del siglo XX


Partimos de un movimiento muy importante para la fotografía que fue el pictorialismo que tenía como finalidad el  imitar a la  pintura, y ayudar a los propios pintores a reducir los elevados costos de la contratación de modelos, al retratar a los modelos en una determinada pose, la cual terminaría siendo el cuadro pintado.

La primera cámara que salió al mercado fue una cámara de formato de película plan en el año de 1920, también conocida como cámara  de hilo o acordeón En sus principios  esta cámara  fue contemplada para ser posible que el arte fuera para todos.

Poco tiempo después salió la primera cámara laica que fue creada por Oskar Barmack quien se dedicaba a la realización de lentes, para la investigación de la biología. Con una película de 35 mm. 
Pero al poco tiempo apareció la primera cámara réflex llamada  “Exakta” que también utilizaba una película de 35 mm, esta cámara soluciono todos los problemas que tenía la laica,  y tenía algunas ventajas como la posibilidad de ver por el mismo lente, la macrofotografía y el poder cambiar el rollo sin que este se hubiera acabado, por un sistema como guillotina.


La cámara de dos lentes no tuvo mucha popularidad al ser tan cara el tener, muchas veces solo se utilizaba en la fotografía de moda,  por lo cual salió del mercado en la década de los 80s.

Después vino en 1959 la primera cámara Nikon llamada Nikon F.

En 1936 Estados Unidos tuvo una producción masiva de cámaras de 35 mm, con la invención de la fotografía de amateur, ya que con esta cámara no era necesario la utilización de enfoque o diafragma ya que todo era automático.

Por el año de 1947-1948 la fotografía instantánea tomo el mercado con la producción de la Polaroid Land Camera, creada por Edwin Land en 47, que podía imprimir una fotografía en menos de 60 segundos, lo cual les dio a los artistas una nueva forma de producción y todo otro panorama de la fotografía, donde podían  ser manipular antes de que se fijara con lápices de color o pigmentos.

La tecnología avanzo a pasos muy grandes y una de las creaciones que trajo consigo fue la revolución digital en la cual una de las cámaras que salieron al mercado fue la Hasselblad 500 CM,(Suecia 1952)  que utiliza una película plana de formato 120,  tipo réflex, y utiliza lentes  Kodak.

Tiempo después sale la cámara Toyo Field que esta basada en el diseño de las cámaras tipo Graflex, o acordeón, la cual se utiliza particularmente en la fotografía de diarios. Ya que tiene un movimiento independiente entre las placas y en el mismo lente la obturación y el diafragma.

En 1990 empieza  la era digital y empiezan a producirse las primeras cámaras réflex  con un disco duro de 80 Mb, que hace posible que la cámara sea capaz de almacenar hasta r 50 fotos de 1524 x 1012 pixels. Que en este momento no llegan a ser ni 2 megapíxeles.


Con la creación de tan distintas cámara los artistas empiezan a utilizarla como medio artístico, y uno de ellos fue August Sander (1876 - 1964), su trabajo se basó en la  crítica de la sociedad alemana.  Ya que el vivió en la Alemania nazi, pero supo cómo contraponer su trabajo sin ser asesinado, por el gobierno.



Otro pionero en la fotografía pero el en el movimiento futurista fue Anton Giulio Bragaglia (1890 - 1960) fue  un versátil e intelectual artista, que tenía muchos intereses en el mundo del arte tanto en teatro y danza. Bragaglia utilizaba la doble exposición para la realización de sus fotografías y trabajaba con la experimentación y la sensación de las cosas que estaban pasando.



Man Ray (1890 - 1976) fue un entusiasta artista que realimente llevo la fotografía a otro punto en el arte, desarrollando nuevas técnicas, como el rayograma o la solarización, la fotografía de moda y la imaginería abstracta.


Al igual que Man Ray,  Lázló Moholy-Nagy ( 1895 – 1946) trabajo con la fotografía llevándola a otro lugar y uno de sus trabajos más importante fue el Modulador Espacio Temporal, que consiste en una serie de formas que son producidas por un motor que realiza un efecto de  efectos de luces y sombras.  Estas sombras y luces se dan gracias al uso de diferentes materiales.




Los artistas de ahora trabajan con robótica, vídeo, videojuegos  o la misma  manipulación del cuerpo para la mejora de este. Lo cual hace notar que la tecnología avanza a una velocidad sorprendente y lo que hace años parecía asombroso hoy es tecnología antigua un simple artefacto de colección, hoy en día un simple teléfono celular tiene más megapíxeles que una cámara de 1990, lo cual pone en evidencia no solo la manera tan increíble en la que avanza la tecnología, sino lo desechable de esta. 

jueves, 25 de septiembre de 2014

ensayo 
Pedro Meyer y Joan Fontcuberta


Joan Fontcuberta i Villà, 24 de febrero de 1955, Barcelona, es un fotógrafo español, que desde sus principios siempre tuvo una forma diferente de ver la fotografía, y siempre ah tratado de desaparecer los valores fundamentales de la fotografía clásica como la verdad, la memoria y captar el momento,   utilizando los nuevos conceptos que giran alrededor de la fotografía digital. Joan dice que en este momento tenemos tantas fotos que gastamos más tiempo en hacer fotos que lo que  tenemos en mirarlas.

Su trabajo se desplaza en una delgada línea entre la realidad y la ficción, el crea ilusiones fotográficas libremente inspiradas en lo real. En estos espacios visuales creados por Joan se pueden los conceptos de verdad y de ficción entrelazándose libremente uno con el otro. Este dialogo que tiene Joan tiene un impacto en la manipulación digital de la fotografía contemporánea.

«Me interesa de qué manera impactan en la conciencia del espectador, le sacuden, le agitan, le hacen entender que las fotografías más allá de lo que puedan representar son interpretaciones, no necesariamente un reflejo fidedigno, son formas de ver absolutamente subjetivas", Joan Fontcuberta



Uno de los problemas que avoca el trabajo de Fontcuberta es la producción de la fotografía “sin sentido” en donde artistas reciclan fotografías que ya existen en un la red para crear su propia obra, esto crea una interrogante en la autenticidad de una pieza y el hecho de mediante el medio digital nos deslindamos de tomar únicamente una fotografía. La pos-producción se convirtió rápidamente en una herramienta fundamental para un fotógrafo donde  editar las millones de fotos que están actualmente en la red nos abre todo un mundo de posibilidades, donde podemos alterar la realidad y hacer una a nuestro gusto.

“lo único sincero que existe en esta vida es el que sabe cómo mentir. Las imágenes siempre mienten porque está en su naturaleza interpretar lo que muestran.” Joan Fontcuberta

El cree que las fotografías mienten, ya que dice que esta inscrito en ellas el interpretar lo que retratan, con cada disparo de la cámara engendramos una mirada propia de la actualidad en la que estamos inmersos, que se encuentra infatuada y obsesionada con la memoria, la verdad, la acumulación y la fragmentación.
Esta acumulación de imágenes para Joan es fascinante ya que  insiste mucho en que uno como artista debe evidenciar la abundante cantidad de posibilidades que tenemos de manipular un pixel, y como esto puede llegar a obtener cualidades casi propias de lo pictórico, dándole una infinita cantidad de posibilidades de crear una fotografía digital.


  

"Hoy todos somos fotógrafos, pero con una cultura visual escasa”: Pedro Meyer

Pedro Meyer es un fotógrafo, nacido en Madrid en 1935, inmigrado a México. Es uno de los pioneros y exponentes internacionalmente reconocidos de la fotografía mexicana contemporánea. Fue fundador y presidente del Consejo Mexicano de Fotografía, organizo tres Coloquios Latinoamericanos de Fotografía. Aparte de su labor artística como fotógrafo, también es  el fundador y director del sitio ZoneZero.

Su trabajo prueba constantemente los límites de la verdad, la ficción y la realidad, con el invento de la fotografía digital, Meyer evoluciono de ser un fotógrafo documental que creo los llamados “fotografías rectas” en un fotógrafo que combina elementos fotográficos de momento y lugares, para crear su propia verdad. Meyer afirma que todas las fotografías que son manipuladas digitalmente son “verdaderas” y “falsas” lo cual los fotógrafos documentales  dieron el nombre de “heretica”.

Meyer a diferencia de Fontcuberta no cree que los medios estén llenos de basura, ya que para alguien una foto de un perro o de una fiesta es importante, y eso tiene que ver con lo que entendemos nosotros como  el uso de la fotografía. Ya que hoy en día todos pueden ser fotógrafos y tomar millones de fotos y subirlas a la red donde un núcleo de personas puede interesarles.
Es una época de vértigo, en la que ya no hay tiempo para ver, leer y escuchar con atención... Pedro Meyer.



Tal vez uno delos mayores problemas que Meyer piensa es que ya no escuchamos para comprender sino que escuchamos para responder, un ejemplo de esto es Facebook, donde diariamente se comparten millones de fotos y textos, si compartimos una foto o un texto da lo mismo, ya no nos interesa el dialogo son atacar o decir algo, pero realmente sabemos ¿con quién estamos hablando?
¿Ahora que es una imagen original? Las imágenes "originales" en el medio digital dejan de existir como tal, ya que se pueden llegar a compartir y descargar millones de veces, esto se puede ver en la página de Zone Zero, ya que además de publicar los diferentes proyectos fotográficos es posible descargar y compartir las fotografías. Pedro señala que la importancia esta en ver las nuevas formas de la fotografía donde no solo basta con tener un buen ojo y educarlo para observar, sino que también hay que reflexionar la forma en lo que estamos observando lo que nos rodea, y en base a eso tratar de puntualizar o innovar maneras de representarlo ayudándonos de las nuevas tecnologías.



A partir de lo que nos propone tanto Meyer como Fontcuberta es importante que dejemos atrás, esta idea de ligar o representar, lo real o verdadero con lo que estamos retratando o fotografiando ya que estas dos  son totalmente diferentes y en lugar de querer hacer esto aceptemos las maneras nuevas de concebir y construir la fotografías. Apoyarnos de estas nuevas tecnologías y herramientas para desarrollar nuevos modelos de representación.

miércoles, 17 de septiembre de 2014

Después de la fotografía



Después de la fotografía
 
El libro del escritor  Fred Ritchin, es profesor de Fotografía e Imagen en la Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York y co - director del programa educativo NYU / Magnum Fundación Fotografía y Derechos Humanos.
 
En este libro se trata del cambio que tuvo la cámara fotográfica analogía a la cámara digital. La importancia que está teniendo lo virtual ante lo táctil.  
A partir de la revolución de la tecnología se producen varios cambios en la sociedad. Uno de ellos es la concepción que tenemos de nosotros mismos y del mundo, del sentido de lo posible. Este cambio de analógico al digital se une al concepto de la fotografía como representación de la realidad. ¿Qué es real? la fotografía como representación de la realidad a una distorsión de nuestra visión de lo real, mientras la analógica tiene todo un proceso mecánico, tangible con la fracción de tiempo para capturar un momento decisivo, la fotografía digital separa en fragmentos el momento dando la posibilidad de unirlos con otros.
 
Ritchin analiza todas las posibilidades sobre la fotografía digital que ha dado una nueva concepción de la imagen. Una imagen que puede no solo darte una visión real de lo que es sino que también puedes tener miles de ellas, compartirlas con el mundo entero, solo subiéndola a una red sociable.
 
Es  esta una de las muchas preguntas que se hace Ritchin  “¿Quién querría un auto único y quién no querría compartir el lazo de unión que ofrece el ethos consumista de la reproducción?”, la fotografía digital ya no exige el valor de objeto escaso o único que tiene la pintura y la fotografía análoga.  Su valor cambia es más un valor de explotación, interactivo (redes sociables) y hasta interdisciplinario, donde evaden los límites del ver solo lo que el fotógrafo quiere que veas y dar un valor mayor al momento lo que miramos, escuchamos, leemos y revisamos.
 
Fue la fotografía quien empezó a escribir la historia visual de las personas y esta aumenta diariamente, y se modifica para ser más cómoda, y viable.
 
La producción y publicación de imágenes digitales está  al alcance de todo aquellos que tengan la posibilidad de entrar a Internet. ¿Pero que paso con aquellos que no quieren ser presa de esta gran comunidad virtual?  Realmente se vuelve imposible no pertenecer, todo ya está digitalizado no solo en la escuela donde tienes que estar en un grupo en Facebook para enterarte de la tarea o de que el maestro no va ir sino también en el trabajo ya que las persona están en contacto con otras por medio de mensajes o inbox.
 


“Que empiecen los recuerdos” nos dice un  anuncio de los 90's de la empresa fotográfica Kodak, esto nos insinúa que tenemos una posibilidad de almacenar todos y cada uno de nosotros momentos, solo con hacer un click. En donde nuestra vida virtual es más importante que la real.  Todos buscan ser aceptados ante una sociedad total mente tecnología conde cada día se sube a redes sociables como Facebook, Instagram, Flick etc. Millones de fotografías  dándole un valor mayor a los momentos que hay aparecen y esperando que el resto del mundo los apruebe con “likes”.

 
En lugar de utilizar la fotografía como símbolo inmediato, la fotografía puede fungir como el inicio de una discusión, porque ahora la apariencia “es” sólo un punto de partida, esto está a discusión a mi parecer ya que el ser humano sigue dependiendo de la apariencia.
La fotografía analógica proviene de lo tangible, mientras que la digital de los signos codificados.
 
Esto nos puede crear muchas preguntas acerca de distintos temas de la fotografía, como si la multireproduccion de esta tiene menor valor que la original o pierde sentido de originalidad. La vida de una persona se vuelve  maleable, y propensa a ser modificada y reconstruida, sus recuerdos, esos s momentos que quiere recordad ¿Qué sucede con ello? No existe un tiempo lineal, ni una sucesión estricta de tiempos. La foto no es una cita textual de la realidad, sino un boceto modificable. Ahora ni si quiera es necesario estar frente al sujeto fotográfico, la captura puede realizarse a distancia.
Como nos dice Sontag como los turistas que puedes simplemente tomarte una foto y modificarla en Photoshop y ponerte de fondo el lugar que quieras, o si terminaste de una relación borrar a aquella persona no solo de la foto sino de tu línea “de tiempo” de Facebook como si nunca hubiera existido.
Pero esta modificación no solo se centra en el pasado, ahora también podemos mirar hacia el futuro, lo que aún no existe elaborarlo en base a una imagen.
 
Esta nueva realidad son cada vez más atractivos, tiene más cosas que te envuelven en ella y su número de habitantes incrementa día a día, realmente no se cuál sea el futuro de esta realidad o si tenga un fin. Tal vez la tecnología avance más al punto donde no tengas ni siquiera que pararte de tu cama para sentir la brisa del mar.


3 momentos claves en la fotografía estadunidense del siglo XIX
(segunda parte)

En la siguiente magistral del día 12 de septiembre terminamos de ver la exposición y hablamos de dos personas que marcan el último momento clave en la fotografía del siglo XX.

Estas personas fueron Alfred Stieglitz y Edward Steichen. Estos dos fotógrafos se centraron en el naturalismo y pictórico de la fotografía  que se dio en la segunda mitad del siglo XX. Estos dos artistas contemporáneos tuvieron su etapa pastica inmersos en las corrientes romántica y modernista que luego les sirvió cuando encontraron la fotografía y en ella vieron otras posibilidades de expresar lo que querían.



También nos contó la historia de Rodin con Edward Steichen quien le ayuda a ver su escultura que Francia no acepto, de otra manera. Donde Rodin le dijo que era un maestro por que logro captar algo que el mismo no pudo lograr.Este era el poder de la fotografía.



Otro personaje que utilizo sus técnicas plásticas en la fotografía fue Henry Emerson, que se encontraba en la punta de lanza de éste movimiento, fue el que acuñó el término "pictorialismo” que utilizo su educación plástica para intervenir, editar y buscar otros resultados en sus fotografías.
Estos tres personajes intentaron buscar el respeto y la dignidad de la fotografía ante otra técnica que en aquel entonces tenía mucho poder la pintura, el cual fue un error, esta mentalidad de las personas estaba todavía en formación.
El fotógrafo quería el reconocimiento como artista  por so esa búsqueda de utilizar la fotografía como pintura.


Los trabajos son asombrosos son unas piezas con expresión y únicas. Que te muestran otra forma de ver lo que en aquel momento les interesaba.

3 momentos claves en la fotografía estadounidense del siglo XIX

La primera cámara Kodak, apareció en el periódico en noviembre de 1889. Con el  eslogan de "Usted pulsa el botón, nosotros hacemos el resto”

En las magistrales de los  días  5 de septiembre y 12 de septiembre, se habló de los tres momentos claves de la fotografía estadounidense en el siglo XIX. Comenzando el primer momento  fuera del territorio estadounidense, en Paris de 1839, con el acercamiento de dos creadores: Daguerre y Samuel Morse. Posteriormente, en 1872, un fotógrafo, y un hombre de la industria,  Eadwear James Muybridge y Leland Stanford. Y por último, el encuentro entre Alfred Stieglitz y Edward Steichen.




El creador del daguerrotipo se interesó por el invento de Morse el cual le ofreció a Daguerre su invento a cambio de un Daguerrotipo. Popularizándolo en estados unido lo que hizo que varios fotógrafos comenzaron a utilizar el Daguerrotipo, unos de los más destacados fueron, Southworth y Hawes, quienes llevaron más allá al retrato de lo que Morse había hecho, experimentaron con luces y con otras cosas volviendo únicas las fotografías.

Fue tal la fama que experimentó la firma Southworth y Hawes que fueron invitados a fotografías la primera operación con anestesia.
Otro aventurero en el mundo de la fotografía fue el  norteamericano Robert Cornelius, quien empleó de igual manera el método del daguerrotipo, y se dedicó a elaborar un manual de uso ilustrado con dibujos y fotografías.


Dentro de la plática hablamos de la relación que existe entre la pintura y la fotografía, los pros y contras de que ambas disciplinas se utilizaran. Dentro de esta discusión, llego a un punto en donde todo dependía de en donde se tomara en cuenta, ya que en Francia todavía se consideraba más importante la pintura que en Estados Unidos  


Un ejemplo de un pintor que trabajaba con la fotografía como medio para analizar la incidencia de la luz, en un objeto y  luego utilizaba en sus obras fue el también estadounidense Thomas Eakins, 






Hablamos de las imágenes del correr de un caballo, que tenían una gran relación entre lo fotográfico y lo pictórico. Estas fotos fueron producidas  por dos personajes Eadweard Muybridge y Leland Stanford, uno era un iniciado fotógrafo y el otro un amante de los caballos.

Este descubrimiento trajo consigo dos respuestas la primera que el correr de un caballo no era como los pintores lo retrataban y fue el primer acercamiento con la multimedia. Creando un dispara eléctrico que capturara una secuencia de fotos: La imagen en movimiento.


martes, 2 de septiembre de 2014


EJERCICIO DE LA PAREJA DIAFRAGMA-  OBTURADOR

En este ejercicio descubrimos a que distancia focal, nuestra cámara toma una fotografía nítida del objeto que se está fotografiando, también descubrimos cual es la pareja obturador–diafragma que debemos utilizar para determinadas condiciones.


Realizamos  15 fotografías, que se dividían en tres  grupos cada parte tenía una distancia focal diferente.



Grupo 1                            
ISO:400                                              
Balance de blanco: Manual         
Distancia focal: 18 mm           

Grupo 2                          
ISO:400                                              
Balance de blanco: Manual         
Distancia focal: 35 mm     

Grupo 3                         
ISO:400                                              
Balance de blanco: Manual         
Distancia focal: 55 mm    


Los valores de las parejas que son el diafragma que es el que regula la intensidad de luz que entra en la cámara y el obturador que controla el tiempo de exposición esto fueron los siguientes:

Obturador             1/8             1/4            1/2            1s           2s
Diafragma               5.6               8              11           16           22

En cada grupo se toma 5 fotos de las cuales cada vez que cambiamos la distancia focal iba disminuyendo la nitidez de la fotografía en las esquinas de estas.

Con el primer grupo utilice una distancia focal de 18 mm, y un ISO: 400.

No se puede ver un gran cambio entre las parejas de diafragma y obturación, solo mente en las esquinas dela fotografía que se tomó con la pareja F/22- 2s se nota un poco menos nítida en la esquina.




                       F/22      2s

En el grupo 2 utilice una distancia focal de 35 mm, y un ISO: 400. Aquí es más notorio el cambio en la nitidez de la fotografía. Con forme la distancia focal aumenta, observamos una disminución en la calidad de la resolución. 
Cuando cerramos el diafragma lo que provoca que entre una menor cantidad de luz, por lo que debemos dejar más tiempo la exposición de la foto. A esta distancia mi cámara empieza a tener menor resolución en las fotos en sus esquinas cuando utilizo un diafragma muy cerrado, por ejemplo un F/22 

F/5.6  1/8

F/8  1/4 

F/11    1s

 F/22   2s



 El último grupo fue el 3 en el que utilice una distancia focal de 55 mm el resultado demuestra que a esta distancia focal, mi cámara no es capaz de captar imágenes totalmente nítidas si se utiliza una pareja de diafragma F/22 y una obturación de 2s 


F/5.6   1/8  



F/22   2s

Mi conclusión es que es que para tomar un retrato tendría que ser con un diafragma F/5.6 a F/8  y  una distancia focal corta como 55 mm y aun que si quieres una distancia focal el 18 mm es bueno captando con suficiente nitidez en un F/8 - 1/4  pero todo depende de lo que se quiera fotografiar si el objeto esta en movimiento o esta estático, eso también afecta al momento de decidir una obturación adecuada.


lunes, 1 de septiembre de 2014

PROCESOS FOTOGRÁFICOS.

PROCESOS FOTOGRÁFICOS.


Las ilusiones ópticas siempre han fascinado a los seres humanos, desde la pintura como principal herramienta de esta hasta nuestros días con la cámara fotográfica: los lentes, las luces,  sombras que nos ayudan a percibir una realidad diferente.

Con la creación de la fotografía el dibujo representativo quedo en segundo plano.

La cámara oscura (s. IX - XVI)

La cámara oscura es un instrumento óptico capaz de “dibujar” con la luz, sobre un papel, 
No sólo los diferentes valores del claroscuro de un cuerpo iluminado, sino también los diferentes matices de color un papel con yoduro de plata (a menudo encerado o aceitado para aumentar su transparencia), éste se introduce en el interior de la cámara. Después de una exposición de 5-10 minutos, se obtiene una imagen muy poco visible (imagen latente), que será perceptible después de su revelado con galonitrato de plata.

En 384-322 a.C, Aristóteles entendió el principio de la cámara oscura al observar un eclipse parcial de sol proyectado en el piso, a través de las hojas de los árboles que al moverse con el viento, formaban pequeños agujeros por los que pasaba la luz y proyectaban la imagen del eclipse.

En 1550 Girolama Cardano, físico y matemático sugirió el uso de otros lentes para voltear la imagen. En 1558 Giovanni Battista Della Porta, el cual quedó fascinado y decidió crear una cámara monumental.
En 1569 Daniel Barbaro reiteró el uso del lente y el espejo combinados e introdujo el uso del diafragma para controlar la apertura y la cantidad de luz que pasaba a través del lente.

Cianotipia (s. XIX)

Es una técnica temprana introducida en 1842 por el astrónomo y químico ingles Sr John Frederick William Herschel (1792-1871). La cianotipia consiste en impregnar un soporte (papel) con sales de hierro para posteriormente ser utilizado en impresión de contacto. Al lavar el papel en agua surge la imagen en blanco sobre un fondo azul Prusia. La cianotipia, también conocida como “blue-print”, debido a su gran sencillez de aplicación, se utilizó para la reproducción de planos fórmulas matemáticas, aunque muy pronto se aplicó en la fotografía, concretamente en la realización de fotogramas.


La fotógrafa Anna Atkins discipula de John Herschel  elaboro una serie de herbarios que presentaba perfectamente en álbumes utilizando esta técnica de fotograma

Heliografía (1816)


Los retratos que querían perdurar a través del siglo XVIII se plasmaban mediante esta técnica, descubierta por Joseph Nicéphore Niépceen, quien desde su ventana reflejo el paso del tiempo de su pateo, el que denomino “punto de vista desde la ventana del Gras”.
  

Eran una fotografía de positivo directo. Niépce distinguía entre las imágenes que habiendo sido obtenidas con este método suponían reproducciones de grabados ya existentes, llamadas «heliograbados», y las imágenes captadas directamente del natural por la cámara, a las que llamaba «puntos de vista»
 


El procedimiento suponía la utilización de la cámara oscura y el empleo de diferentes materiales como soporte sensibilizado, entre ellos el papel, el cristal o diversos metales como el estaño, el cobre, el peltre, entre otros. Para la obtención de las imágenes se precisaba un tiempo de exposición de la placa a la luz durante ocho horas.

                                                       Daguerrotipo (1839)



Es el primer procedimiento fotográfico difundido oficialmente en Paris, desarrollado y perfeccionado por Louis Daguerre1787 -1851; Artista e inventor francés, pionero de la fotografía. Louis Daguerre perfeccionó el procedimiento de fijación de imágenes de su compatriota Niépce, logrando reducir los tiempos de exposición y obteniendo instantáneas de gran nitidez. El daguerrotipo consiste en poder fijar las imágenes obtenidas por medio de una cámara oscura sobre una plancha metálica o vidrio sensibilizado al vapor de yodo, obteniendo una emulsión; es un ante


                                    Calotipo (1841)

William Henry Fox Talbot, Nació en Febrero de 1800, Científico y filólogo Inglés, fue uno de los pioneros en el ámbito fotográfico, a causa de sus problemas como dibujante, se interesó por otra clase de métodos mecánicos para capturar y retener las imágenes. A través del uso de la cámara oscura y la cámara de luz, empezó sus investigaciones durante su estancia de vacaciones.

Esta técnica se realiza a partir de la sensibilización de un papel con yoduro de plata (a menudo encerado o aceitado para aumentar su transparencia), éste se introduce en el interior de la cámara. Después de una exposición de 5-10 minutos, se obtiene una imagen muy poco visible (imagen latente), que será perceptible después de su revelado con galonitrato de plata.
 

 Se trata de una imagen negativa sobre papel. Las copias obtenidas por contacto sobre otro papel sensible, es decir copias que provienen de un calotipo positivo y se vuelve negativo. La imagen obtenida es un positivo por ennegrecimiento directo En relación al daguerrotipo se puede destacar su reproducibilidad y su rapidez de realización. Por el contrario, tiene una menor sensibilidad y un cierto desenfoque a causa de la textura de la pasta de papel.